Exposition « Les arts en France sous Charles VII (1422-1461) »
12 mars – 16 juin 2024
Musée de Cluny – musée national du Moyen Âge (Paris)

Le musée de Cluny met en lumière un moment charnière de l’histoire et de l’histoire de l’art, celui du règne de Charles VII (1422-1461).

À partir des années 1420, pendant la guerre de Cent Ans, le royaume de France connaît de profondes mutations politiques et artistiques. Le nord du royaume est occupé par les Anglais et les Bourguignons. Quand le dauphin Charles parvient à reconquérir son trône, grâce à Jeanne d’Arc notamment, puis son royaume, les conditions d’un renouveau sont réunies.
Une nouvelle génération d’artistes se convertit au réalisme à la flamande, tandis qu’à travers l’influence italienne, ils s’imprègnent de l’héritage antique développé par des artistes comme Filippo Brunelleschi, Donatello ou Giovanni Bellini. La création artistique entre en rupture progressive avec le gothique international et se tourne vers une nouvelle vision de la réalité, prémices de la Renaissance.

L’exposition présente de prestigieux manuscrits enluminés, peintures, sculptures, pièces d’orfèvrerie, vitraux et tapisseries. Des œuvres exceptionnelles y figurent, comme le dais de Charles VII (musée du Louvre), le manuscrit des Grandes Heures de Rohan (Bibliothèque nationale de France) ou le tableau de l’Annonciation d’Aix (Aix-en-Provence) par Barthélémy d’Eyck. Pour la première fois, le triptyque parisien de la Passion et Résurrection du Christ par André d’Ypres est reconstitué dans son intégralité (musée du Louvre, Getty Museum, musée Fabre).

Pour cette visite privée exceptionnelle, vous êtes accompagnés par Mathieu Deldicque, conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée Condé de Chantilly, et Maxence Hermant, conservateur en chef à la Bibliothèque nationale de France, département des Manuscrits, service des manuscrits médiévaux.

Vidéo réalisée par Coupe-File Art et Scribe Accroupi.

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée de Cluny.
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Exposition « Les arts en France sous Charles VII (1422-1461) »
12 mars – 16 juin 2024
Musée de Cluny – musée national du Moyen Âge
28 Rue du Sommerard
75005 Paris

Exposition « En chair et en os. Paul Richer, l’art et la médecine »
16 mars – 16 juin 2024
Musée des Beaux-Arts de Chartres

Après l’exposition de 2023 consacrée à Paul Richer et la sculpture du travail, cette seconde exposition révèle deux autres facettes de Paul Richer : son rôle de médecin et son œuvre en tant qu’artiste.
Elle explore la relation étroite entre l’art et la science dans les œuvres de Richer et montre ses sculptures mettant en avant l’anatomie masculine à travers des athlètes en mouvement, des malades et des œuvres pédagogiques, illustrant sa précision anatomique. Elle présente aussi les ouvrages médicaux illustrés et sa thèse réalisée sous la direction de Jean-Martin Charcot.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Grégoire Hallé, directeur du musée des Beaux-Arts de Chartres et commissaire de l’exposition.

La sculpture permet à Richer d’étudier l’anatomie de ses modèles, mais aussi de représenter des pathologies à des fins pédagogiques. Des représentations de malades, comme « La Parkinsonienne » (1895), sont exposées.

L’exposition présente également des hommages sculptés à des personnalités, scientifiques et grands médecins, ainsi que des sculptures féminines, écho à ses travaux sur l’anatomie féminine des années 1910.

Deux grands groupes sculptés seront présentés : « Tres in una » (1913) et « L’Art et la Science devant Minerve » (vers 1930) reflètent les travaux de l’artiste sur la morphologie féminine.

Exposition « En chair et en os. Paul Richer, l’art et la médecine »
16 mars – 16 juin 2024
Musée des Beaux-Arts de Chartres
29 cloître Notre-Dame
28000 Chartres

Du 23 septembre au 31 décembre 2023, le musée des Beaux-Arts de Chartres a proposé une première exposition sur l’œuvre de Paul Richer : « Les nouveaux héros. Paul Richer et la sculpture du travail ». Une visite privée est disponible ici.

Sources :
– texte : site Internet de la ville de Chartres
– photos : @scribeaccroupi

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Consultez le site Internet de la ville de Chartres.

Exposition « Ingres et Delacroix. Objets d’artistes »
27 mars – 10 juin 2024
Musée national Eugène-Delacroix

Un pot à tabac en forme de poisson ayant appartenu à Eugène Delacroix (1798-1863), une couronne de laurier dorée offerte à Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) par les Montalbanais… autant d’objets présentés au musée national Eugène-Delacroix dans une exposition consacrée à ces deux figures artistiques majeures du XIXe siècle.

Pour cette visite de l’exposition, vous êtes accompagnés par Claire Bessède, directrice du musée national Eugène-Delacroix.

Les deux musées qui portent le nom de deux grands peintres du 19e siècle, le musée national Eugène-Delacroix et le musée Ingres Bourdelle, se réunissent afin de présenter ces deux grands artistes par le prisme de leurs objets.

Les objets de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) et Eugène Delacroix (1798-1863) témoignent de la façon de travailler des deux artistes, mais ils dévoilent aussi une part de leur intimité dans un contexte où il n’y a pas ou peu de représentation de leur lieu de vie ou de création.

Sans être de véritables collectionneurs, Ingres et Delacroix ont possédé des œuvres d’art, dont des copies ou gravures d’après des tableaux d’artistes qu’ils admirent. Parmi les passions d’Ingres, il y a Raphaël. Il voue même un véritable culte à cet artiste et son fétichisme va jusqu’à demander au pape quelques débris d’ossements du peintre italien, lors du transfert de sa dépouille au Panthéon en 1833. Il les obtient et les fait enchâsser dans une boîte reliquaire !

La passion d’Ingres pour la musique est incarnée dans l’exposition par la présence de son violon qu’il pratique quotidiennement. Ingres garde précieusement les fragments de partitions originales qui lui ont été offertes : Le canon de Cherubini et les trois partitions de Joseph Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), Christopher Willibald Gluck (1714-1787) et Ludwig van Beethoven (1770-1827).

Delacroix a reçu lui aussi une éducation musicale. Il a pratiqué le violon, le piano et même la guitare dans sa jeunesse. Contrairement à Ingres, il ne pratique plus la musique pendant sa carrière de peintre mais reste un mélomane averti. Tout comme Ingres, il admire Mozart et apprécie Haydn, Gluck ainsi que certains morceaux de Beethoven. Le seul musicien contemporain que Delacroix admire est son grand ami Frédéric Chopin (1810-1849), compagnon de son amie George Sand (1804-1876).

Eugène Delacroix a aussi en sa possession des instruments de musique orientaux dont certains ont été ramenés de son voyage au Maroc en 1832. C’est lors d’une noce juive que Delacroix découvre le son de ces instruments qui lui serviront de source d’inspiration pour sa « Noce juive » dans le Maroc (musée du Louvre), tableau peint en 1832, soit 7 ans après son voyage.

La représentation de l’atelier d’Ingres par son ami, le peintre Jean Alaux (1786-1864) à Rome est une des rares représentations du lieu de travail du peintre. Il nous permet aussi d’avoir un regard sur sa vie intime où il pose non pas en train de peindre mais en train de jouer du violon. Sa femme et son chat sont présents. Seul, les nombreux tableaux aux murs évoquent son activité de peintre.

La seule représentation connue de Delacroix dans un atelier est celle du journal « L’illustration » où il est représenté dans son atelier rue Notre-Dame de Lorette qu’il occupe de 1845 à 1857. On le voit palette à la main et entouré d’œuvres, d’esquisses et de moulages.

En 1851, Ingres, natif de Montauban, songe à léguer une partie de ses œuvres, ses collections et de son fond d’atelier à sa ville natale. Le 18 juillet, il donne à la ville de Montauban 54 tableaux anciens ainsi que des gravures, des vases antiques et divers objets d’art. À partir de 1854, l’Etat fera des dépôts réguliers de tableaux.

Chez Delacroix, les objets sont liés au besoin de se souvenir et peuvent aussi être des sources d’inspiration pour ses œuvres.

Sources pour cet article :
– texte : dossier de presse de l’exposition
– photographies : @scribeaccroupi

Commissariat de l’exposition

Claire Bessède, directrice du musée Delacroix
Florence Viguier-Dutheil, directrice du musée Ingres Bourdelle

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Consultez la page spéciale sur le site Internet du musée national Eugène-Delacroix.

Exposition « Ingres et Delacroix. Objets d’artistes »
27 mars – 10 juin 2024
Musée national Eugène-Delacroix
6, rue de Furstenberg
75006 Paris

Exposition « Claude Lorrain. Dessins et eaux-fortes »
2 mars – 19 mai 2024
Cabinet d’arts graphiques
Château de Chantilly

Célèbre pour les paysages nimbés d’une lumière dorée qu’il peint principalement à Rome, Claude Gellée (vers 1600-1682) – dit le Lorrain, ou simplement Claude – est tout au long de sa carrière un dessinateur aussi acharné que prolifique. Si la campagne romaine, ses vallées et ses arbres ou les scènes bucoliques sont ses premiers motifs d’élection, il se tourne ensuite vers d’ambitieux sujets mythologiques, religieux ou historiques. Malgré l’aspect fini et léché de certaines de ses feuilles, Claude ne dessine en premier lieu que pour lui-même : presque aucun de ses dessins ne quitte son atelier de son vivant.

Pour cette visite privée de l’exposition, vous êtes accompagnés par Baptiste Roelly, conservateur du patrimoine au musée Condé du château de Chantilly.

L’essentiel des dessins de Claude étant aujourd’hui conservé en Angleterre, le musée Condé détient – avec ses douze feuilles – le plus important ensemble de France après
le musée du Louvre. Cette collection est exposée pour la première fois avec les eaux-fortes de Claude dont le duc d’Aumale fit également l’acquisition.

Les dessins de Claude saisissent la luminosité propre aux différentes heures du jour, le scintillement du feuillage des arbres, les masses dressées à contre-jour ou la dilution du paysage dans l’horizon. Si des lavis d’encre rapidement appliqués au pinceau ou des traits griffonnés à la plume sont les principaux instruments de sa pratique en plein air, il lui arrive aussi de reprendre ses feuilles en atelier pour leur conférer une note plus finie.

Si sa carrière longue de plus de cinquante ans se déroule presque intégralement à Rome, il ne dessine qu’à de rares reprises la topographie urbaine de Rome et les deux feuilles du musée Condé sont à cet égard d’une importance capitale.

Après de premières expérimentations aussi maladroites qu’émouvantes à l’eau-forte, Claude se sert également de l’estampe pour immortaliser des festivités qui se déroulent dans la ville éternelle. Les feux d’artifice qu’il s’attelle à représenter le confrontent à un nouveau type de lumière, non naturelle cette fois.

Si les scènes portuaires, les bateaux qui peuplent celles-ci et les tempêtes en mer comptent parmi les premiers sujets traités par Claude, l’élément aquatique demeure présent dans son œuvre jusqu’au bout. Il sert parfois à confronter l’être humain à un déchaînement des éléments dont la puissance le dépasse et le sidère.

Claude utilise volontiers des papiers à fonds teintés pour faire émerger une atmosphère onirique de ses dessins et ne se sert pas des rehauts de gouache blanche que pour distribuer les ombres et les lumières, mais aussi pour représenter l’effet vaporeux d’une brume légère, de la rosée sur la végétation ou de nuages gorgés de pluie.

Les paysages de Claude sont toujours le lieu d’une action plus ou moins dramatique, plus ou moins discrète. Qu’il s’agisse d’animaux, d’humains ou de dieux, les protagonistes de ses œuvres évoluent dans un environnement qui reflète leurs préoccupations.

En renouant perpétuellement avec ses propres compositions, Claude dialogue avec lui-même et explore toujours plus profondément le potentiel illimité que la nature offre à l’artiste paysagiste. Signe de cette quête exigeante, les études d’après nature qui composent son répertoire dessiné ne sont elles-mêmes jamais reprises à l’identique dans ses peintures, mais presque toujours transformées.

À la mort de Claude, son fonds d’atelier est dispersé et de nombreux collectionneurs achètent les dessins que l’artiste gardait jusqu’alors pour lui. Les collectionneurs anglais développent un goût particulier pour lui et l’essentiel de son œuvre est aujourd’hui conservé outre-Manche. Durant ses années d’exil à Twickenham, dans la banlieue de Londres, le duc d’Aumale contracte à son tour cette passion.

Sources pour cet article :
– texte : dossier de presse de l’exposition
– photographies : @scribeaccroupi

Commissariat de l’exposition

Baptiste Roelly, conservateur du patrimoine au musée Condé

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Consultez la page spéciale sur le site Internet du château de Chantilly.

Exposition « Claude Lorrain. Dessins et eaux-fortes »
2 mars – 19 mai 2024
Château de Chantilly
Cabinet d’arts graphiques
60500 Chantilly

Exposition « Le Sceptre & la Quenouille. Être femme entre Moyen Âge et Renaissance »
8 mars – 17 juin 2024
Musée des Beaux-Arts de Tours

Plus d’une centaine d’œuvres issues des plus grands musées sont rassemblées pour mettre en lumière la place, le rôle et l’image des femmes dans la société des 15ᵉ et 16ᵉ siècles. L’exposition s’appuie sur les avancées historiques des dernières décennies et offre une mise en perspective historique à un enjeu majeur de nos sociétés contemporaines.

Pour cette visite privée exceptionnelle, vous êtes accompagnés par Elsa Gomez, conservatrice du patrimoine et co-commissaire de l’exposition.

« Dans une époque où les questions d’inégalité de genres à des degrés divers se posent de manière accrue et cristallisent le débat public, il importe justement de réinscrire ces problèmes sociaux fondamentaux dans leur épaisseur historique, afin de les penser. Il convient de les replacer dans un contexte qui permette de mieux en appréhender le sens et d’en éclairer certains fondements. […] L’espace muséal nous offre de ces rares moments de suspension dans l’immédiateté du quotidien, qui permettent ce « pas de côté » nécessaire pour s’ouvrir au temps long de l’histoire et venir, ce faisant, questionner nos certitudes. » – Elsa Gomez – Extrait du catalogue de l’exposition

Depuis l’institution du mariage chrétien comme sacrement aux 12e-13e siècles, l’Église a peu à peu structuré la société autour du noyau constitué par le couple et sa descendance. Le mariage, stratégie d’union entre deux familles, est un enjeu fondamental pour les femmes et définit leur place dans la société.
Le lien matrimonial, fondamentalement dissymétrique, institue la soumission de la femme à son époux : le rôle des femmes se définit donc dans un référentiel masculin.

L’exposition explore les rôles dévolus aux femmes dans la société et les activités qui en découlent et qui structurent leur quotidien. Elle aborde la maternité, le travail et les loisirs auxquels s’adonnent les femmes, enfin la dévotion à Dieu, mais aussi aux autres.

Dans un contexte de réflexion et de débat sur la nature et la condition féminines, la fin du Moyen Âge voit s’opposer les partisans d’un discours misogyne et les fervents défenseurs de la cause féminine. Les théologiens, les traités d’enseignement ou la jurisprudence consacrent un panel de vertus considérées comme féminines auquel il est attendu que les femmes se conforment, et qui se retrouve dans l’iconographie : chasteté et continence, humilité, obéissance, douceur, dévotion.

Assez paradoxalement, les 15e et 16e siècles voient fleurir les représentations de femmes fortes maniant l’épée, symbole masculin par excellence. Les héroïnes bibliques ou mythologiques en armes, telles que Judith ou les Amazones, sont extrêmement populaires.

Par l’usage de nombreux symboles, les femmes qui gouvernent s’affirment comme les détentrices d’une puissance politique et lignagère qu’elles cherchent toujours davantage à légitimer. Cet art de la mise en scène constitue l’une des facettes du pouvoir au féminin entre le début du 15e et la fin du 16e siècle.

« Pas plus qu’aujourd’hui, « la femme » des XVe et XVIe siècles n’a d’existence réelle, et derrière ces visages abstraits, les réalités vivantes que l’on parvient à appréhender sont autrement plus complexes et variées, « faites d’arrangements, de renversements, de résistances » (Dominique Godineau). Elles fluctuent selon les situations personnelles, les caractères des protagonistes. Elles résultent de l’interaction de facteurs autres que le sexe et qu’il est fondamental de prendre en compte, tels que l’âge, la situation matrimoniale, le contexte rural ou urbain, le rang social. » – Elsa Gomez – Extrait du catalogue de l’exposition

Commissariat de l’exposition

Elsa Gomez, conservatrice du patrimoine au musée des Beaux- arts de Tours
Aubrée David-Chapy, agrégée et docteure en histoire moderne

Cette exposition est réalisée en partenariat avec la Bibliothèque nationale de France, la participation exceptionnelle du musée du Louvre et du musée national de la Renaissance – château d’Écouen.

Sources pour cet article :
– texte : dossier de presse de l’exposition
– photographies : @scribeaccroupi

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Consultez le site Internet du musée.

Exposition « Le Sceptre & la Quenouille. Être femme entre Moyen Âge et Renaissance »
8 mars – 17 juin 2024
Musée des Beaux-Arts de Tours
18 Place François Sicard
37000 Tours

Exposition « À la cour du Prince Genji. 1000 ans d’imaginaire japonais »
22 novembre 2023 – 25 mars 2024
Musée national des arts asiatiques – Guimet (Paris)

Écrit au 11ème siècle par la poétesse Murasaki Shikibu, « Le Dit du Genji » est considéré comme l’œuvre la plus emblématique de la littérature classique japonaise. Évoquant les raffinements de la cour impériale de l’époque Heian (794-1185), il suscite une très riche iconographie : estampes, kimonos, sculptures, peintures, objets précieux et jusqu’aux mangas contemporains.
Plus récemment, le maître tisserand Itarô Yamaguchi (1901-2007) réalise quatre rouleaux d’après ceux peints de l’époque Heian, illustrant les scènes du « Dit du Genji ». Ces rouleaux exceptionnels sont montrés pour la première fois ensemble et déroulés dans leur intégralité pour l’exposition du musée Guimet.

Pour cette visite privée, suivez Aurélie Samuel, conservatrice du patrimoine et commissaire de l’exposition.

« Quand on me demande quelle est la romancière que j’admire le plus, c’est le nom de Murasaki Shikibu qui me vient aussitôt à l’esprit, avec un respect et une révérence extraordinaire (…) c’est le Marcel Proust du Moyen Âge nippon. » – Marguerite Yourcenar dans « Les Yeux ouverts » (1980)

L’époque de Heian (794- 1185) est celle de l’essor du bouddhisme au Japon. L’écriture évolue grâce à la réforme de l’éducation et à une simplification des kanjis. Ces idéogrammes, hérités de la Chine, restent l’apanage des lettrés japonais mais vont être transformés en hiragana, une écriture cursive adaptée à la langue japonaise appelée, à l’origine, « onnade » (main de femme). Grâce à cet accès plus aisé à l’écriture, la littérature féminine japonaise va prendre un essor considérable.

Dans le « Dit du Genji », Murasaki Shikibu s’inspire de la vie de la cour, des hommes et des femmes, dans leurs complexités et leurs évolutions, sociales et psychologiques. Cette œuvre devient le creuset d’une nouvelle identité japonaise et une source d’inspiration pour tous les artistes, d’hier et d’aujourd’hui.

La multitude des scènes décrites dans le « Dit du Genji » explique l’engouement des artistes pour cette œuvre depuis le 12e siècle. Une attention particulière est portée aux contextes des événements, aux lieux mais aussi aux saisons, éléments primordiaux dans l’art pictural japonais.

L’invention de la gravure sur bois au 17e siècle va offrir un nouveau support et permettre aux grands maîtres de l’estampe de renouveler l’imaginaire des scènes les plus célèbres du « Dit du Genji », parfois réinterprétées ou réadaptées à la mode contemporaine. La publication d’une version parodique du roman par Ryutei Tanehiko (1783-1842) fera évoluer l’iconographie de l’œuvre dans de nouvelles directions.

Maître Itarô Yamaguchi naît le 18 décembre 1901 dans une famille de tisseurs de soieries du quartier Nishijin à Kyoto. Il commence très jeune à tisser sur un métier à mécanique Jacquard pour de riches commanditaires.

Après cinquante ans de carrière, à l’âge de 70 ans, Maître Itarô Yamaguchi décide de « laisser un chef-d’œuvre qui serait la concrétisation des plus hautes qualité et technicité atteintes dans l’utilisation du métier Jacquard« . Il décide de reproduire en tissage les rouleaux peints du « Dit du Genji » datant du début du 12e siècle, conservés au musée Tokugawa de Nagoya et au musée Goto de Tokyo.

Afin de remercier la France d’avoir inventé le métier Jacquard qui a sauvé l’industrie du tissage à Kyoto, Maître Yamaguchi offre son chef-d’œuvre au musée Guimet. Dans l’exposition, les quatre rouleaux sont présentés ensemble dans leur intégralité pour la première fois.

Sources pour cet article :
– texte : dossier de presse de l’exposition
– photographies : @scribeaccroupi

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée Guimet.

Commissariat de l’exposition

Aurélie Samuel, conservatrice du patrimoine

Exposition « À la cour du Prince Genji. 1000 ans d’imaginaire japonais »
22 novembre 2023 – 25 mars 2024
Musée national des arts asiatiques – Guimet
6, place d’Iéna
75116 Paris

Exposition « Formes de la ruine »
1er décembre 2023 – 3 mars 2024
Musée des Beaux-Arts de Lyon

Conçue à partir de la réflexion d’Alain Schnapp, auteur de l’importante « Une histoire universelle des ruines » (2020), l’exposition propose une transposition de sa pensée, avec plus de 300 œuvres présentées, des arts premiers à l’art contemporain. L’exposition propose un périple à travers les ruines, dans un dialogue continu entre les civilisations autour de quatre thèmes : la mémoire et l’oubli, la tension entre nature et culture, le lien entre le matériel et l’immatériel et la confrontation entre présent et futur. Son ambition est d’interroger les sociétés à travers l’histoire et en même temps de se confronter aux recherches des artistes contemporains.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Sylvie Ramond, conservateur en chef du patrimoine, directeur général du pôle des musées d’art MBA | macLYON, et par Alain Schnapp, historien et archéologue, professeur émérite à l’Université de Paris-I.

« Tous les hommes ont un secret attrait pour les ruines. Ce sentiment tient à la fragilité de notre nature, à une conformité secrète entre ces monuments détruits et la rapidité de notre existence. » – François-René de Châteaubriand

Il existe diverses manières de faire face à l’oubli. La première consiste à édifier des monuments gigantesques si résistants qu’ils pourront s’opposer au passage du temps, à l’image des mégalithes de la Préhistoire ou des pyramides d’Égypte. Les souverains égyptiens et orientaux de l’Antiquité ne se sont pas contentés de bâtir. Ils ont aussi écrit sur les murs de leurs pyramides, sur les tablettes déposées dans les fondations de leurs palais et de leurs temples, l’écriture contribuant à conforter leur légitimité et à assurer la continuité avec le passé.
Les textes inscrits par les Égyptiens sur les monuments, les stèles ou les cônes funéraires sont des messages lancés vers le futur qui visent à établir une continuité de génération en génération, de siècle en siècle.

Des motifs comme celui de la Tour de Babel, indéfiniment repris par les artistes à la suite de Pieter Brueghel l’Ancien et interprétée ici par Hendrick III van Cleve, peuvent nourrir des fictions imagées, comme dans les albums de bandes dessinées de Benoît Peeters et François Schuiten, qui appartiennent aussi bien au passé qu’au futur.

« Non seulement les œuvres de nos mains sont détruites ; (…) les œuvres de la nature elles-mêmes sont bouleversées et nous devons supporter avec une âme égale la destruction des villes. Elles ne sont debout que pour tomber, c’est la fin qui les attend toutes. » – Sénèque

Après la destruction, la ruine accueille l’éclosion lente de nouvelles formes de vie. Plantes, arbustes, organismes divers et animaux envahissent des lieux qui leur étaient inaccessibles auparavant. Toits et murs effondrés ouvrent sur de nouvelles portions de ciel. L’œuvre du temps réconcilie le monument et le paysage en y réinstaurant la vie.
Le Relief avec scène bucolique, chef-d’œuvre de l’art de la Rome antique (photo ci-dessous), met en scène une vie rurale idyllique, en harmonie avec les ruines environnantes.

« Fiat mundi confusa ruina » – « le monde devient une ruine confuse » – Lucrèce

Sources pour cet article :
– texte : dossier de presse de l’exposition
– photographies : @scribeaccroupi

Commissariat de l’exposition

Alain Schnapp, historien et archéologue, professeur émérite à l’Université de Paris-I
Sylvie Ramond, directeur général du pôle des musées d’art, MBA | macLYON, directeur du musée des Beaux- Arts de Lyon, conservateur en chef du patrimoine
Assistés de Zoé Marty, conservatrice du patrimoine, musée d’art moderne et contemporain
de Saint-Étienne Métropole
Chiara Vitali, assistante scientifique, ENS Ulm / École du Louvre
Avec la participation d’Amandine Delbart, conservatrice du patrimoine stagiaire

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Consultez la page spéciale consacrée à l’exposition sur le site Internet du musée des Beaux-Arts de Lyon.

Exposition « Formes de la ruine »
1er décembre 2023 – 3 mars 2024
Musée des Beaux-Arts de Lyon
20 place des Terreaux
69001 Lyon

Exposition « Prosper Mérimée (1803 – 1870) »
15 décembre 2023 – 18 mars 2024
Musée national du château de Compiègne

L’exposition présente Prosper Mérimée à la fois le créateur d’un des plus grands mythes littéraires de tous les temps – celui de Carmen – mais aussi l’archéologue à l’origine de la protection des monuments historiques, l’académicien, le sénateur et l’homme du monde, proche du couple impérial.

Pour cette visite privée exceptionnelle, vous êtes accompagnés par Marc Desti, conservateur général du Patrimoine – Appartements historiques.

À travers portraits et documents, l’évocation de ses amitiés – écrivains comme Stendhal ou Hugo, peintres comme Delacroix – introduit ensuite à une section consacrée à l’homme de lettres en nous mettant en présence de Colomba ou Carmen, dont Bizet devait faire l’un des opéras les plus célèbres du répertoire.

Fils de peintre et proche des artistes, Mérimée a construit une oeuvre littéraire où l’art – et la peinture en particulier – est une source d’inspiration importante. Il est moins connu qu’il fit deux recensions du Salon, en 1839 et 1853. Or la critique d’art de Mérimée apparaît aujourd’hui comme un chaînon oublié de l’histoire, alors qu’elle s’avère essentielle pour la compréhension des rapports complexes entre romantisme finissant, académisme et réalisme. L’exposition rassemble les principales oeuvres ayant retenu son attention.

Commissariat de l’exposition

Commissaire général : Rodolphe Rapetti, conservateur général du Patrimoine. Directeur des musées et domaine nationaux des Châteaux de Compiègne et Blérancourt
Laure Chabanne, conservatrice en chef du Patrimoine – Musée d’Orsay, Paris
Jean-François Delmas, conservateur général du Patrimoine – Cabinet des arts graphiques et bibliothèques
Marc Desti, conservateur général du patrimoine – Appartements historiques

Sources pour cet article :
– texte : dossier de presse de l’exposition
– photographies : @scribeaccroupi

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Consultez la page spéciale consacrée à l’exposition sur le site Internet du château de Compiègne.

Exposition « Prosper Mérimée (1803 – 1870) »
15 décembre 2023 – 18 mars 2024
Musée national du château de Compiègne

Exposition « Horace Vernet (1789 – 1863) »
14 novembre 2023 – 17 mars 2024
Salles d’Afrique et de Crimée
Château de Versailles

Encensé ou conspué par la critique, Horace Vernet est un peintre complet qui s’illustre dans tous les genres. Avec 200 œuvres dont plusieurs chefs-d’œuvre inédits de l’artiste, accompagnés d’esquisses et de dessins témoignant de sa méthode de travail, l’exposition révèle son amour pour les chevaux et la chasse, son goût pour la littérature romantique et pour la mise en scène de ses origines familiales.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Frédéric Lacaille, conservateur en chef, chargé des peintures du XIXe siècle au château de Versailles.

« Avec Horace Vernet, une seule chose est vraiment exclue : l’ennui. » – Laurent Salomé, directeur du musée national des châteaux de Versailles et de Trianon

Né en 1789 au Louvre, Horace Vernet est le petit-fils du peintre de marines Joseph Vernet et le fils du peintre militaire Carle Vernet. Digne héritier de la dynastie familiale, malgré un échec au Prix de Rome, il s’attire très tôt les faveurs de Napoléon Ier et de la famille impériale.

Ami de Théodore Géricault depuis les années 1810, il suit son inspiration romantique, s’initie à la lithographie et développe une manière facile et séduisante. Il devient le peintre favori du duc d’Orléans, futur Louis-Philippe.

Vernet jouit rapidement d’une certaine célébrité qui l’amène à poser pour plusieurs confrères. L’exposition présente certains de ces portraits, parfois des caricatures, réalisés par des contemporains.

Au Salon de 1822, Horace Vernet voit ses toiles refusées et organise alors une exposition personnelle dans son atelier dont l’immense succès établit définitivement sa réputation. C’est le début d’une longue carrière.

L’exposition met en lumière l’importance des voyages d’Horace Vernet, notamment en Italie et en Algérie. Nommé directeur de l’Académie de France à Rome en 1829, Horace Vernet découvre les grands modèles classiques italiens et s’essaye à la peinture d’histoire.

En 1833, il découvre l’Algérie et se concentre sur une peinture orientaliste, alternant les sujets civils, religieux et militaires. Cinq ans plus tard, il est chargé de représenter les conquêtes militaires en Algérie dans les salles d’Afrique du château de Versailles. Le temps des grandes commandes est ponctué de nombreux voyages en Orient et en Russie.

Horace Vernet meurt en 1863 après avoir reçu l’insigne de Grand officier de la Légion d’honneur.

Commissariat de l’exposition

Valérie Bajou, conservateur général au musée national des châteaux de Versailles et de Trianon.

Sources pour cet article :
– texte : dossier de presse de l’exposition
– photographies : @scribeaccroupi

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Visitez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du château de Versailles.

Exposition « Horace Vernet (1789 – 1863) »
14 novembre 2023 – 17 mars 2024
Salles d’Afrique et de Crimée
Château de Versailles
Place d’Armes
78000 Versailles