Exposition « Les Très Riches Heures du duc de Berry. La Joconde des manuscrits »
7 juin – 5 octobre 2025
Salle du Jeu de Paume
Musée Condé
Château de Chantilly

Les « Très Riches Heures du duc de Berry » désignent le manuscrit le plus célèbre au monde. Qualifié de « Joconde » des manuscrits, ce recueil d’offices et de prières est personnalisé pour le frère du roi Charles V. Sa restauration permet au château de Chantilly d’exposer les douze premiers feuillets déreliés. Une occasion unique de les admirer comme vous ne les reverrez jamais plus !

Pour cette visite privée « très riche » et très exceptionnelle, vous êtes accompagnés par Mathieu Deldicque, directeur du musée Condé.

En décembre 1855 réapparaît à Gênes un manuscrit ayant appartenu au duc Jean de Berry (1340-1416), fils, frère et oncle de rois de France. Il est signalé à Henri d’Orléans, duc d’Aumale (1822-1897), qui en perçoit le caractère exceptionnel, l’achète aussitôt et en entame l’étude avec les meilleurs érudits de l’époque. À leurs côtés, d’autres pièces essentielles issues du même atelier permettent de compléter ce panorama.

Un partenariat exceptionnel avec la Bibliothèque nationale de France permet la présentation d’une grande partie de la riche bibliothèque du duc de Berry, l’une des plus fameuses du Moyen Âge.
Des dizaines de manuscrits complètent l’ensemble qu’abrite déjà le Château de Chantilly pour refléter le faste, le goût et la culture du prince. D’autres institutions insignes, en France et à l’étranger, ont également soutenu ce projet exceptionnel d’évocation d’une des plus belles bibliothèques médiévales, où les manuscrits à peintures ont la part belle.

L’exposition met en évidence le rôle majeur des frères de Limbourg, concepteurs du livre, et présente les principales personnalités artistiques qui s’y sont exprimées, leurs spécificités et leurs sources d’inspiration. La majorité des œuvres connues des frères de Limbourg sont réunies.

Pour la première fois depuis sa mort en 1416, tous les livres d’Heures réalisés pour le duc de Berry, aujourd’hui connus, sont réunis, venus de Chantilly, Paris, Bruxelles ou New York.

Les « Très Riches Heures » sont, selon leur dénomination au début du XVe siècle, un livre de prières insigne, commandé vers 1411 par le duc Jean I de Berry, frère du roi Charles V, à trois jeunes artistes talentueux, originaires de Nimègue, les frères Paul, Jean et Herman de Limbourg. Ceux-ci sont les neveux du peintre Jean Malouel (vers 1370-1415) et s’entourent des meilleurs copistes et ornemanistes. Commanditaire et peintres meurent en 1416 laissant le manuscrit inachevé.

Tout au long du XVe siècle, d’autres enlumineurs se succèdent pour compléter le manuscrit, tels Barthélémy d’Eyck vers 1440 pour la famille royale, et Jean Colombe vers 1485 pour Charles Ier de Savoie qui hérite à son tour du livre. Dans ce joyau devenu un « livre-cathédrale » sans perdre son unité, se croisent des influences multiples, flamandes, françaises, italiennes, orientales et antiques, peu à peu mises au jour par les spécialistes.

À partir de son installation à Chantilly et des premières reproductions initiées par le duc d’Aumale, le livre acquiert une célébrité mondiale qui lui confère une valeur d’icône du Moyen Âge. Il façonne encore une image poétique et idéale du Moyen Âge dans l’imaginaire collectif.

Commissariat de l’exposition

Mathieu Deldicque, conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée Condé
avec la collaboration de Marie-Pierre Dion, conservateur général des bibliothèques

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Consultez la page spéciale sur le site Internet du château de Chantilly.

Exposition « Les Très Riches Heures du duc de Berry. La Joconde des manuscrits »
7 juin – 5 octobre 2025
Salle du Jeu de Paume
Musée Condé
Château de Chantilly

Exposition « Brueghel & Van Balen, artistes & complices »
17 mai – 28 septembre 2025
Musée de Flandre (Cassel)

Dernier fils de Pieter Bruegel l’Ancien, Jan Brueghel l’Ancien marque son temps grâce à un sens de la couleur et à une touche miniaturiste hors du commun. Spécialiste des paysages, des fleurs, des fruits et des animaux, Brueghel s’adjoint souvent les compétences d’autres peintres, chargés de représenter les figures. Son plus grand collaborateur, après Rubens, est Hendrick van Balen.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Cécile Laffon, directrice du musée de Flandre et co-commissaire de l’exposition.

Jan Brueghel l’Ancien est l’héritier d’une tradition familiale portée au sommet par son père, Pieter Bruegel l’Ancien. Toutefois, malgré cet encombrant héritage, il trace sa propre voix et devient l’un des peintres les plus talentueux de son temps. Son voyage en Italie est décisif pour le reste de sa carrière.

Formé, comme Rubens, auprès d’Adam van Noord, Van Balen est, lui aussi, en possession
d’une profonde culture classique qui se reflète autant dans ses œuvres que dans l’inventaire de sa bibliothèque. Sa présence dès 1605 parmi le prestigieux « Cercle des Romanistes » à Anvers atteste de son voyage en Italie. Bien que Van Balen
accepte le Baroque dominant à Anvers, il ne l’embrassera pas véritablement ; il continuera à être attaché à son style romaniste tout au long de sa carrière.

Les festins des Dieux, images de dieux festoyant et se divertissant, ont valu à Van Balen d’être considéré comme le plus grand spécialiste des tableaux de cabinet représentant des « idylles mythologiques ». Il permet d’assister aux plaisirs des dieux dans des paradis verdoyants créés par Brueghel, rehaussés de fleurs, de fruits et d’objets.

Jan Brueghel l’Ancien recherche les fleurs les plus rares et les peint d’après nature. Avec Van Balen, il conçoit des guirlandes autour d’un médaillon central contenant un sujet religieux ou mythologique. Composées en forme d’anneau se détachant sur un fond neutre, ou de feston plus souple s’ouvrant sur un paysage, ces guirlandes de fleurs, à l’occasion combinées avec des légumes et des fruits, servent aussi bien à illustrer les vertus de la Vierge que l’abondance de Cybèle et des Saisons.

Van Balen et Brueghel l’Ancien ont aussi collaboré avec d’autres peintres paysagistes.
À la mort de Jan Brueghel l’Ancien en 1625, Van Balen commence à peindre avec son fils, Jan le Jeune, dont la carrière reste encore fort méconnue.

Commissariat de l’exposition

Cécile Laffon, directrice du musée départemental de Flandre
Jahel Sanzsalazar, historienne de l’art

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Consultez la page spéciale dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée de Flandre.

Exposition « Brueghel & Van Balen, artistes & complices »
17 mai – 28 septembre 2025
Musée de Flandre
26 Grand’ Place
59670 Cassel

Exposition « François Chifflart & Victor Hugo – Fantasme noir »
20 avril – 28 août 2025
Musée Sandelin (Saint-Omer)

Organisée en partenariat avec la Maison Victor Hugo de Paris avec la participation exceptionnelle de la Bibliothèque nationale de France, cette exposition prend la forme d’une grande rétrospective sur la vie et l’œuvre de François Chifflart (1825- 1901), graveur et illustrateur de Victor Hugo.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Romain Saffré, directeur des musées de la ville de Saint-Omer.

Peintre d’histoire, maître de l’eau-forte, épris d’idéal en art autant qu’en politique, François Chifflart a connu un parcours atypique, entre espérance et désillusion, où le succès le dispute à l’échec.

Bien que distingué par le Prix de Rome en 1851, et malgré le succès des deux grands fusains qu’il présente au Salon de 1859, Chifflart peine à se faire connaître et publie comme moyen de communication novateur un album de ses œuvres regroupant gravures et photographies.

Au milieu des années 1860, le peintre insatisfait découvre l’eau-forte (procédé de gravure en taille-douce sur une plaque métallique à l’aide d’un acide). Sa proximité avec Alfred Cadart, qui en fut le plus ardent défenseur, explique que Chifflart ait cédé à ce procédé remis à l’honneur auprès des peintres. Membre de la Société des aquafortistes, il participe à ses livraisons, mais se fait surtout remarquer par la suite de quinze planches publiées en 1865 sous le titre d’Improvisations sur cuivre, dans lesquelles s’exprime la dualité de sa personnalité, « classique par l’éducation, romantique par le tempérament ».

En 1867, on lui confie l’illustration des Travailleurs de la mer. Admirant profondément Victor Hugo, il s’enflamme pour ce projet et se rend à Guernesey. Cette rencontre va être l’événement majeur de sa vie et sera suivie d’une longue correspondance, de dons d’œuvres ainsi que d’autres commandes d’illustrations qui font de lui le peintre le plus imprégné de l’œuvre du poète dans la seconde moitié du 19e siècle.

Mobilisé en 1870 lors du Siège de Paris, François Chifflart suit son régiment qui se fédère lors de la Commune. Il traduira la violence des combats dans ses dessins pour la presse illustrée.

Les événements de la Commune interrompent son travail pour La Chanson de Roland publiée en 1872. Cette nouvelle déconvenue ajoutée aux horreurs de la guerre perturbe profondément l’artiste. Arrêté par les troupes versaillaises à l’issue de la Commune, il est rapidement libéré car considéré comme fou et se réfugie à Arras.

Esprit indocile et sans concession, Chifflart est un artiste isolé et vit grâce à ses eaux-fortes, ses dessins pour la presse et ses illustrations. Restant attachée aux thèmes et à l’ambition de la peinture d’histoire, sa peinture a souvent été mal comprise bien qu’admirée par ses contemporains : Victor Hugo, Théophile Gautier ou Charles Baudelaire.

Commissariat de l’exposition

Gérard Audinet, directeur des Maisons de Victor Hugo, Paris/ Guernesey
Valérie Sueur-Hermel, conservatrice générale du Patrimoine, responsable des collections du 19e siècle, département des Estampes et de la Photographie, Bibliothèque nationale de France
Romain Saffré, directeur du service des musées et du Patrimoine, Saint-Omer

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Rendez-vos sur la page spéciale du site Internet du musée Sandelin.

Exposition « François Chifflart & Victor Hugo – Fantasme noir »
20 avril – 28 août 2025
Musée Sandelin
14 Rue Carnot
62500 Saint-Omer

 

Exposition « Les mondes de Watteau »
8 mars – 15 juin 2025
Château de Chantilly

Quatre peintures et six dessins d’Antoine Watteau (1684-1721) sont conservés par le musée Condé de Chantilly. De nombreux prêts complètent cet ensemble pour offrir, dans cette exposition, un aperçu inédit des pans les plus importants et iconiques de l’œuvre de l’artiste. Watteau sut mieux que quiconque capter l’esprit de son temps et retient, avec ses œuvres parfois énigmatiques et ambiguës, tout le raffinement des fêtes privées sous l’Ancien Régime.

Pour cette visite privée exceptionnelle, vous êtes accompagnés par Baptiste Roelly, conservateur des dessins, estampes, manuscrits et livres anciens au Petit Palais – Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris.

Empreintes de délicatesse et de sentiments souvent cryptés, ses compositions d’une poésie sans pareille abordent les thématiques de l’amour, de l’amitié, des plaisirs musicaux, de la danse. Mais il y est aussi question de rejet et de moqueries, d’amour non réciproque et de solitude – autant de sentiments universels qui expliquent pourquoi les dessins et peintures de Watteau n’ont rien perdu de leur force, ni de leur actualité.

Cet artiste sut mieux que quiconque capter l’esprit de son temps et retient, avec ses œuvres parfois énigmatiques et ambiguës, tout le raffinement des fêtes privées qui se donnaient sous l’Ancien Régime.

Pour exposer Watteau sous son meilleur jour, le musée Condé a fait restaurer la plupart des chefs-d’œuvre qu’il conserve et emprunté des peintures ou dessins qui le montrent au sommet de son art. Les plus grands spécialistes de l’artiste ont en outre apporté leur concours à ce projet, qui a permis de nombreuses découvertes et des recherches inédites.

Le parcours permet de comprendre à quelles sources Antoine Watteau a puisé, comment il construisait ses compositions, quels effets il recherchait et nous plonge ce faisant au cœur de la genèse de certaines scènes parmi les plus énigmatiques qui ont jamais été peintes.

Commissariat de l’exposition

Commissariat général
– Mathieu Deldicque, conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée Condé
Commissariat scientifique
– Axel Moulinier, docteur en histoire de l’art
– Baptiste Roelly, conservateur des dessins, estampes, manuscrits et livres anciens au Petit Palais – Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris

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Consultez la page spéciale sur le site Internet du château de Chantilly.

Exposition « Les mondes de Watteau »
8 mars – 15 juin 2025
Château de Chantilly
60500 Chantilly

Exposition « La Broderie des Ursulines, chef-d’œuvre du Grand Siècle »
8 mars – 6 juillet 2025
Musée de Picardie (Amiens)

Le musée de Picardie présente – pour le première fois depuis plus d’un siècle – le Grand Antependium brodé par les Ursulines de la ville vers 1660. Centrée sur ce chef-d’œuvre, cette exposition-dossier aborde la question de sa fonction, du contexte historique de sa production, de son iconographie, de ses sources d’inspiration et de sa technique de fabrication.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par François Séguin, conservateur du patrimoine au musée de Picardie.

Brodé vers 1660 alors que le chantier de décoration de la chapelle des Ursulines s’achevait, le devant d’autel fut employé à l’occasion des grandes fêtes liturgiques du couvent jusqu’à la Révolution.

Les religieuses furent alors expropriées en ces dernières années du XVIIIe siècle. On ignore ce qu’il advint des nombreux objets qui formaient le trésor du couvent. Durant la première moitié du siècle suivant, certaines broderies regagnèrent le lieu de leur ancien usage.

L’antependium fut exposé en 1874 à Lille, puis en 1886 à Amiens, au musée de Picardie, à l’occasion du cinquantième anniversaire de la Société des Antiquaires de Picardie.
En 1904, les sœurs durent à nouveau prendre le chemin de l’exil, la loi Combes ayant interdit aux congrégations religieuses d’enseigner. Elles trouvèrent refuge en Belgique où elles emportèrent leurs broderies. Dès 1910 pourtant, l’objet fut montré au public lors de l’Exposition universelle de Bruxelles comme propriété d’un prêtre. Les religieuses avaient dû le lui céder peu avant.

Depuis lors, le devant d’autel est passé de collection particulière en collection particulière.
C’est en 2023 que le musée de Picardie reçut la proposition  d’acquérir ce chef-d’œuvre. Son dernier propriétaire privé souhaitait en effet s’en dessaisir au profit d’un musée français, estimant que cette œuvre, par ses qualités exceptionnelles, devait devenir publique.

Le musée du Louvre d’abord envisagea de l’acquérir. Cependant, le lien si fort de cette pièce avec la capitale picarde incita les conservateurs du musée parisien à laisser la priorité au musée amiénois. C’est ainsi qu’après cent-vingt ans d’absence et grâce à la grande générosité des très nombreux contributeurs ayant rendu possible son acquisition, le Grand Antependium des Ursulines a regagné définitivement Amiens en 2024.

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Consulter la page dédiée à l’exposition sur le site Internet de la Ville d’Amiens.

Commissariat de l’exposition

Pierre Stépanoff, conservateur du patrimoine, directeur du musée de Picardie et de la Maison de Jules Verne
François Séguin, conservateur du patrimoine au musée de Picardie (Amiens)

Exposition « La Broderie des Ursulines, chef-d’œuvre du Grand Siècle »
8 mars – 6 juillet 2025
Musée de Picardie
2 Rue Puvis de Chavannes
80000 Amiens

Exposition « Christian Krohg (1852-1925). Le Peuple du Nord »
25 mars – 27 juillet 2025
Musée d’Orsay

Après « Edvard Munch. Un poème de vie, d’amour et de mort » (2022) et « Harriet Backer. La musique des couleurs » (2024), le musée d’Orsay clôt une trilogie consacrée à l’art norvégien du tournant du XXe siècle avec l’exposition consacrée à Christian Krohg.
Il s’agit de la toute première rétrospective de l’artiste en dehors de la Scandinavie. Elle met en lumière ses œuvres naturalistes et engagées et révèle sa modernité picturale. Bohème et fervent défenseur des causes politiques et sociales de son époque, Krohg, également écrivain et journaliste, dépeint avec une profonde empathie le monde du travail, la misère, ainsi que les injustices subies par les femmes.
Le parcours permet aussi de souligner ses liens picturaux avec les artistes français découverts lors de ses séjours parisiens, notamment Courbet, Manet et Caillebotte.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Servane Dargnies de Vitry, conservatrice en chef peinture au musée d’Orsay.

« Le seul peintre capable de descendre de son trône et d’éprouver de la compassion sincère pour ses modèles. » – Edvard Munch

Pour Krohg, l’art doit toucher le spectateur et susciter son empathie, par le fond comme par la forme. Après des études en Allemagne, son séjour français – à Paris et à Grez-sur-Loing (Seine-et-Marne) – l’engage plus loin dans cette voie. Ce que Krohg retient de Manet et des impressionnistes, tel Gustave Caillebotte, ce sont les cadrages audacieux qui créent l’illusion de fragments de vie pris au hasard. Il ira jusqu’à en faire son slogan : « Tout est une question de cadrage. »

« Je suis très content de mon séjour. Je n’ai jamais vu autant d’art moderne. À Paris, il y a eu toute une série d’expositions passionnantes, et ici à Grez, je fréquente tous les jours des artistes extrêmement talentueux et intéressants. » – Christian Krohg

Selon Krohg, l’image ne doit pas être construite en termes de perspective. Assis devant son sujet, il le peint dans une intense proximité. Krohg applique ces principes tout au long de sa carrière, notamment dans ses tableaux de marins qui éludent le paysage au profit de plans rapprochés sur l’action.

En 1886, Krohg publie son roman Albertine, histoire d’une ouvrière violée devenue prostituée, roman que la police saisit rapidement au motif qu’il porte atteinte aux bonnes mœurs. Malgré les controverses, Krohg défend sa liberté d’expression contre la censure. Il réalise alors son tableau le plus important, la grande toile « Albertine » (ci-dessous) tirée de son roman, poussant la provocation jusqu’à engager des prostituées comme modèles. Peu d’œuvres d’art norvégiennes ont suscité un débat aussi intense, par la mise en lumière d’une facette particulièrement sombre de la société norvégienne.

« Vous devez peindre de manière à toucher, émouvoir, scandaliser ou réjouir le public par ce qui vous a vous-même réjoui, ému, scandalisé ou touché. » – Christian Krohg

D’autres grandes compositions, telle que « La Lutte pour l’existence » (ci-dessus), témoignent de l’attention que porte l’artiste aux membres les plus vulnérables de la société. Loin de toute idéalisation, les peintures sociales de Krohg sont dominées par un sévère pessimisme typique du naturalisme littéraire.

Qu’il s’agisse du quotidien simple des habitants de Skagen au Danemark ou de celui de sa propre famille, ses toiles dévoilent l’intérêt de l’artiste pour la sphère intime. Ses œuvres, qui mettent en exergue le soin que peuvent s’apporter les membres d’une famille, se caractérisent par une grande douceur et témoignent de sa profonde humanité. En plaçant l’empathie au cœur de son travail, il parvient à capter l’attention du spectateur pour accomplir son idéal : « œuvrer au progrès humain ».

Commissariat de l’exposition

Servane Dargnies de Vitry, conservatrice en chef peinture, musée d’Orsay
Vibeke Waallann Hansen, senior curator, Nasjonalmuseet, Oslo

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée d’Orsay.

Exposition « Christian Krohg (1852-1925). Le Peuple du Nord »
25 mars – 27 juillet 2025
Musée d’Orsay
Esplanade Valéry Giscard d’Estaing
75007 Paris

Exposition « Louise d’Orléans, première reine des Belges : un destin romantique »
21 mars – 15 juin 2025
TreM.a – Musée des Arts anciens du Namurois
Province de Namur (Belgique)

La princesse Louise (1812-1850), première fille de Louis-Philippe, duc d’Orléans puis roi des Français, est une figure incontournable de l’Europe romantique. Princesse de France puis reine de Belgique, Louise d’Orléans devient l’actrice d’une épopée romanesque.

Son frère aîné, Ferdinand-Philippe d’Orléans, sa sœur, la sculptrice Marie, ou encore son jeune frère, Henri d’Orléans, duc d’Aumale, héritier du château de Chantilly, partagent avec elle des inclinations artistiques et esthétiques. Promise à un royal époux beaucoup plus âgé qu’elle, Louise d’Orléans devient l’héroïne des premiers âges du royaume de Belgique, la pièce centrale d’un échiquier familial liant son destin à celui de la politique européenne des régimes issus des révolutions de 1830, de Paris à Bruxelles.

À travers cette exposition, présentée récemment au château de Chantilly, le TreM.a-Musée des Arts Anciens du Namurois nous permet de redécouvrir cette souveraine méconnue.

Dans cette visite privée, Julien de Vos, conservateur général, directeur du service des Musées et du Patrimoine culturel de la Province de Namur, nous conte le destin de Louise d’Orléans et nous dévoile – en exclusivité – le contenu de ses célèbres albums.

En provoquant la sécession des provinces méridionales du royaume des Pays-Bas, la révolution belge de 1830 porta, un an plus tard, le prince Léopold de Saxe-Cobourg-Saalfeld sur le trône du tout nouveau royaume de Belgique. En France, la révolution de Juillet 1830 permit à Louis-Philippe d’Orléans de devenir roi des Français, mettant fin à la Restauration.

Ces deux récentes monarchies partageaient des préoccupations identiques : intégrer leur jeune dynastie au sein de l’Europe des princes et promouvoir la royauté libérale. Un ma- riage scella leur alliance : celui de la princesse Louise et du roi des Belges Léopold Ier, unis- sant la branche des Orléans à la maison de Saxe-Cobourg et Gotha. Après de longues négociations, l’accord fut scellé en juillet 1832, permettant de fixer le mariage au 9 août suivant, au palais de Compiègne.

Beaucoup d’aquarelles, dessins et gouaches d’artistes contemporains célèbres furent collectés et collés dans des albums romantiques que la reine des Belges alimentait, ou dans des portefeuilles de cuir soigneusement conservés.

Louise possédait notamment de nombreux dessins réalisés par ses professeurs tels Eugène Lami ou Ary Scheffer.

Les préférences personnelles de Louise témoignent d’un goût qui fait la part belle aux artistes français. Certains peintres, sollicités par les Orléans, se retrouvèrent dans la « galerie » personnelle de Louise, comme le peintre de marine Gudin, les paysagistes Gué et Siméon-Fort, ou encore les peintres d’histoire Bellangé, Granet et Cogniet. Louise fit aussi preuve d’un goût certain pour la peinture orientaliste de Dauzats et Decamps.

De nombreuses œuvres inédites venant de la collection de la reine sont pour la première fois présentées dans l’exposition, ainsi que des représentations officielles ou intimes souvent méconnues, bien qu’exécutées par les plus grands artistes du temps.

TreM.a – Musée des Arts anciens du Namurois

Situé dans un hôtel de maître du XVIIIe siècle, celui de Gaiffier d’Hestroy, bien caché derrière sa façade aux stucs classés patrimoine exceptionnel de Wallonie, le TreM.a – Musée des Arts anciens du Namurois abrite des trésors du Moyen Âge et de la Renaissance. Parmi les chefs-d’œuvre exposés, on y découvre le Trésor d’Oignies, une des 7 merveilles de Belgique, des sculptures réputées du Maître de Waha et les peintures d’Henri Bles évoquant la vallée mosane.

Commissariat de l’exposition

Commissariat scientifique
Julien De Vos, conservateur général, directeur du service des Musées et du Patrimoine culturel de la Province de Namur
Mathieu Deldicque, conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée Condé et du musée vivant du Cheval, Château de Chantilly
Coordination de projet
Mélodie Brassine, conservatrice du Patrimoine, cheffe de division du service du Patrimoine culturel

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée des Arts anciens du Namurois.

Du 29 octobre 2024 au 16 février 2025, l’exposition a été présentée au Musée Condé du Château de Chantilly. Une visite privée avec Mathieu Deldicque est disponible ici sur mon Blog.

Exposition « Louise d’Orléans, première reine des Belges : un destin romantique »
21 mars – 15 juin 2025
TreM.a – Musée des Arts anciens – Province de Namur
Hôtel de Gaiffier d’Hestroy
Rue de Fer
Namur (Belgique)

Exposition « Zurbarán. Réinventer un chef-d’œuvre »
5 décembre 2024 – 2 mars 2025
Musée des Beaux-Arts de Lyon

L’exposition réunit pour la première fois les trois tableaux représentant Saint François debout momifié peints par Francisco de Zurbarán, conservés au musée des Beaux-Arts de Lyon, au Museu Nacional d’Art de Catalunya (Barcelone) et au Museum of Fine Arts de Boston. Saint François y apparaît tel que le pape Nicolas V l’aurait découvert en 1449 dans la crypte de la basilique d’Assise, debout, les yeux ouverts levés vers le ciel.

Pour cette visite privée exceptionnelle, vous êtes accompagnés par Ludmila Virassamynaïken, conservatrice en chef du patrimoine et commissaire de l’exposition du musée des Beaux-Arts de Lyon.

Né en 1598 à Fuente de Cantos, en Estrémadure, Francisco de Zurbarán est considéré de nos jours comme l’un des plus grands maîtres de la peinture du Siècle d’Or espagnol. La clarté de ses compositions, son évocation du sacré au moyen d’un clair-obscur découpant les formes avec vigueur et sa description scrupuleuse des matières et objets renvoyant au quotidien des fidèles en ont fait l’interprète par excellence de la discipline monacale prônée dans le cadre de la Réforme catholique et plus particulièrement de la mystique espagnole.

Tout au long de sa carrière, Zurbarán et son atelier peignent une cinquantaine de Saint François, pour des églises et des chapelles privées. Que saint François apparaisse debout ou agenouillé, en pied ou en buste, devant le fond uni d’une cellule, dans une grotte ou en plein air, sa méditation prend invariablement appui sur la contemplation d’un crâne humain, en conformité avec les « Exercices spirituels », l’ouvrage de prières de saint Ignace de Loyola (1491-1556).

« Tes moines, Lesueur, près de ceux-là sont fades. Zurbarán de Séville a mieux rendu que toi
Leurs yeux plombés d’extase et leurs têtes malades, Le vertige divin, l’enivrement de foi
Qui les fait rayonner d’une clarté fiévreuse,
Et leur aspect étrange, à vous donner l’effroi.
Comme son dur pinceau les laboure et les creuse ! Aux pleurs du repentir comme il ouvre des lits
Dans les rides sans fond de leur face terreuse ! Comme du froc sinistre il allonge les plis ;
Comme il sait lui donner les pâleurs du suaire,
Si bien que l’on dirait des morts ensevelis !
(…) Deux teintes seulement, clair livide, ombre noire ; Deux poses, l’une droite et l’autre à deux genoux,
À l’artiste ont suffi pour peindre votre histoire. »
– Théophile Gautier, extrait du poème « A Zurbarán » (1845)

Le Saint François du musée des Beaux-Arts de Lyon aurait été découvert, à la fin du 18e siècle, par l’architecte Jean Antoine Morand (1727-1794) au couvent lyonnais des Colinettes, situé sur les pentes de la Croix-Rousse. Selon François Artaud (1767-1838), premier directeur du musée, « Les religieuses l’avaient fait disparaître comme objet effrayant. M. Morand le retrouva dans les greniers. Son chien y aboya contre. »

Zurbarán est parvenu à retranscrire la vision qu’aurait eue, en 1449, le pape Nicolas V du corps intact de saint François debout, les chairs du visage blanches et rosées et avec du sang fraîchement coagulé sur les stigmates, bien qu’il soit mort depuis deux siècles. Dans les tableaux de Lyon, Barcelone et Boston, Zurbarán traite de cet épisode en faisant abstraction du contexte narratif: celui qui contemple le tableau prend la place du pape et semble tenir la torche éclairant l’apparition miraculeuse.

Au moment même où Zurbarán a créé les Saint François de Lyon, Barcelone et Boston, des artistes français, italiens et nordiques ont eux aussi traité l’épisode de la découverte miraculeuse du corps intact du saint. La scène est représentée dans une vision globale et avec tous ses acteurs. La figure immobile de saint François s’efface au profit de la narration et parfois même d’une certaine agitation.

Commissariat de l’exposition

Ludmila Virassamynaïken, conservatrice en chef du Patrimoine, chargée des peintures et des sculptures anciennes, musée des Beaux-Arts de Lyon

Comité scientifique
Odile Delenda, historienne de l’art, auteure du catalogue raisonné de l’œuvre de Francisco de Zurbarán
Barbara Forest, conservatrice en chef du Patrimoine, chargée de l’art moderne, musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg
Stéphane Paccoud, conservateur en chef du Patrimoine, chargé des peintures et sculptures du 19e siècle, musée des Beaux-Arts de Lyon
Javier Portús Pérez, chef du département des peintures espagnoles jusqu’en 1800, Museo Nacional del Prado, Madrid
Alexandre Samson, responsable des départements Haute Couture (à partir de 1947) et Création contemporaine, Palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris

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Consultez la page spéciale dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée.

Exposition « Zurbarán. Réinventer un chef-d’œuvre »
5 décembre 2024 – 2 mars 2025
Musée des Beaux-Arts de Lyon
20 Place des Terreaux
69001 Lyon

Les trois tableaux de Francisco de Zurbarán représentant saint François d’Assise conservés au musée des Beaux-Arts de Lyon, au Museu Nacional d’Art de Catalunya de Barcelone et au Museum of Fine Arts de Boston seront ensuite présentés au Museu Nacional d’Art de Catalunya, qui consacrera un dossier à l’artiste pour célébrer cette réunion inédite.

Exposition « Ribera. Ténèbres et lumière »
5 novembre 2024 – 23 février 2025
Petit Palais – Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris

José de Ribera (1591-1652), artiste espagnol installé en Italie, est l’un des principaux peintres caravagesques. Ce maître du naturalisme a fait le choix d’une radicalité extrême et a privilégié dans ses tableaux un réalisme cru, des compositions dramatiques, ainsi que de violents clairs obscurs.
Le Petit Palais propose la première monographie consacrée, en France, à un artiste trop longtemps resté dans l’ombre, qui sait transcrire la dignité́ du quotidien.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Annick Lemoine, directrice du Petit Palais, et Maïté Metz, conservatrice des Peintures anciennes.

Notre connaissance du jeune Ribera, avant son installation à Naples, s’est longtemps limitée à quelques rares mentions biographiques et à un nombre d’œuvres très réduit. Le Ribera de la période romaine a été redécouvert en 2002 lorsque les tableaux rassemblés sous le nom de convention de « Maître du Jugement de Salomon » ont été identifiés comme étant de Ribera. Ce mystérieux peintre anonyme, l’un des caravagesques les plus intrigants de la scène romaine, n’était donc pas un artiste français, comme on l’a longtemps cru, mais bien le jeune Ribera.

Dans le sillage de Caravage, Ribera renouvelle la représentation de l’histoire sainte. Il l’interprète d’après nature, avec une rare intensité, associée à une profonde humanité. À ce titre, « Le Reniement de saint Pierre » prend la forme d’un drame contemporain qui se déroule au cœur d’une taverne, sous les yeux du spectateur, lui-même pris à partie. Ribera invente ainsi un prototype voué à un immense succès.

Ribera représente les plus grands penseurs en indigents vêtus de haillons qui s’imposent au spectateur, provocants et superbes. Son message est radical. Il s’inscrit dans un contexte intellectuel et spirituel qui prône la relation entre la richesse intérieure et la pauvreté extérieure.

Le « Portrait de famille » résolument non conventionnel que brosse Ribera de la « Femme à barbe » et son mari est un chef-d’œuvre d’humanité. Le spectateur ne peut qu’être frappé par cette image frontale mettant l’accent sur le contraste entre la longue barbe noire et le sein blanc gonflé de lait sorti du corsage pour nourrir l’enfant.

« C’est une furie du pinceau, une sauvagerie de touche, une ébriété de sang dont on a pas idée. » – Théophile Gautier

La représentation de la violence est aussi au cœur de la production de Ribera. Cadrages audacieux, asymétrie des constructions, grandes diagonales, mouvements de foule, gestuelle éloquente prennent directement à partie le spectateur pour mieux l’inviter à participer aux souffrances exposées. Ces scènes de torture se nourrissent de mises à mort bien réelles, orchestrées sur les places publiques par l’Inquisition, et dont Ribera a été le témoin. Au sein de ces tableaux spectaculaires domine la représentation de la chair : une chair vieillie, mise à nu, ensanglantée, arrachée, où s’exprime toute la virtuosité du pinceau de Ribera.

« Le Martyre de saint Barthélemy » offre à Ribera un motif terrifiant de corps souffrant, disloqué et meurtri. Il révèle une forme de fascination pour le mélange de sensations, entre attraction et répulsion, que convoque la scène d’écorchement.

L’artiste peint également saint André ou saint Sébastien, souffrant tous deux dans leur chair, mais avec une atténuation de l’horreur dans la mise en scène de leur martyre. Un de ses derniers tableaux, le « Saint Sébastien » pour la certosa di San Martino en 1651, tend vers un apaisement érotisé du sujet.

Commissariat de l’exposition

Annick Lemoine, conservatrice générale, directrice du Petit Palais.
Maïté Metz, conservatrice des Peintures anciennes au Petit Palais.

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du Petit Palais.

Exposition « Ribera. Ténèbres et lumière »
5 novembre 2024 – 23 février 2025
Petit Palais – Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris
Avenue Winston Churchill
75008 Paris

Exposition « Louise d’Orléans, première reine des Belges : un destin romantique »
19 octobre 2024 – 16 février 2025
Château de Chantilly

Princesse de France puis reine de Belgique, Louise d’Orléans (1812-1850), première fille de Louis-Philippe, a été l’actrice d’une épopée romanesque : celle de l’émergence du royaume de Belgique.
Grâce à un partenariat transfrontalier, l’exposition met à l’honneur ce personnage oublié de l’histoire et permet de montrer des œuvres inédites issues de prestigieuses collections, notamment de la collection royale de Belgique.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Mathieu Deldicque, conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée Condé.

Promise à un royal époux beaucoup plus âgé qu’elle, la reine Louise devient l’héroïne des premiers âges du royaume de Belgique, la pièce centrale d’un échiquier familial liant son destin à celui de la politique européenne des régimes issus des révolutions de 1830, de Paris à Bruxelles.

Formée aux arts, férue de politique et épistolière prolifique, la reine Louise, aux côtés de son époux, inaugure et construit ce qui deviendra la vie de cour, la vie politique et diplomatique, la vie culturelle, mais aussi les instants familiaux dans les premières résidences royales belges

Cette exposition est co-produite avec le Service des musées et du Patrimoine culturel de la Province de Namur (Belgique), Une déclinaison complémentaire sera présentée à Namur de mars à juin 2025.

Commissariat de l’exposition

Mathieu Deldicque, conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée Condé
Julien De Vos, Conservateur général, directeur du Service des Musées et du Patrimoine culturel de la Province de Namur

En savoir +

Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du château de Chantilly.

Exposition « Louise d’Orléans, première reine des Belges : un destin romantique »
19 octobre 2024 – 16 février 2025
Château de Chantilly

Exposition « Rodin / Bourdelle. Corps à corps »
2 octobre 2024 – 2 février 2025
Musée Bourdelle (Paris)

Antoine Bourdelle (1861-1929) admira Auguste Rodin (1840-1917) et travailla pour lui pendant quinze années comme praticien. Parallèles, souvent superposées, leurs trajectoires méritent assurément une grande exposition.
À travers plus de 160 œuvres, dont 96 sculptures, 38 dessins, 3 peintures et 26 photographies, la confrontation donne à voir les fraternités et réciprocités comme les divergences et antagonismes de deux créateurs, porteurs des enjeux de la modernité.

Parcourez l’exposition avec Ophélie Ferlier Bouat, conservatrice en chef du patrimoine, directrice du musée Bourdelle.

Bourdelle entreprend un portrait de Rodin en 1904. À l’été, il lui réclame des séances de pose, interrompues par le maître. Bourdelle parvient cependant à achever deux sculptures de Rodin en 1910.

En 1881, Rodin obtient la commande de deux grandes figures d’Adam et Ève qu’il envisage de placer de part et d’autre de La Porte de l’Enfer. Exposé au Salon de 1881 sous le titre « La Création de l’Homme », Adam fait explicitement référence à la nudité musculeuse des célèbres Ignudi de Michel-Ange, peints au plafond de la chapelle Sixtine.

Entre 1893 et 1907, Bourdelle taille une dizaine de marbres pour Rodin dans ses ateliers (actuel musée Bourdelle), aidé de ses propres praticiens et élèves. Désireux d’être davantage qu’un simple exécutant, il propose notamment de le seconder auprès des fondeurs.
En 1902 apparaissent les premières tensions : Bourdelle tarde trop à tailler Ève et propose pour le buste de Rose Beuret une composition rejetée par Rodin. Pourtant leur collaboration dure encore quelques années.

« J’ai en ce moment beaucoup de travaux. Je n’ai plus besoin de travailler pour Rodin. Je vends beaucoup. » – Antoine Bourdelle (mars 1908)

De la vibration du modelé à la géométrisation et la synthèse des formes, le torse instaure un dialogue exemplaire entre des plâtres et des bronzes de Rodin et de Bourdelle.

Initiées par Rodin et poursuivies par Bourdelle, les recherches des deux artistes autour du socle attestent leur désir de repenser et décupler les proportions.

Rodin et Bourdelle puisent leur inspiration dans le réservoir inépuisable de la mythologie avec des centaures, centauresses, symbiose de l’animal, du végétal et de l’humain.

Commissariat de l’expositiion

Commissariat général
Ophélie Ferlier Bouat, conservatrice en chef du patrimoine, directrice du musée Bourdelle

Commissariat scientifique
Jérôme Godeau, commissaire d’exposition, historien de l’art, musée Bourdelle
Colin Lemoine, responsable des photographies et des collections des XXe et XXIe siècles, musée Bourdelle
Véronique Mattiussi, cheffe du service de la Recherche, musée Rodin
Valérie Montalbetti-Kervella, responsable des sculptures, musée Bourdelle
Lili Davenas, conservatrice des dessins et peintures, musée Bourdelle

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée Bourdelle.

L’exposition sera présentée à La Piscine – Musée d’art et d’industrie André-Diligent de Roubaix du 1er mars au 1er juin 2025 puis au Musée Ingres Bourdelle de Montauban du 27 juin au 19 octobre 2025.

Exposition « Rodin / Bourdelle. Corps à corps »
2 octobre 2024 – 2 février 2025
Musée Bourdelle
18, rue Antoine-Bourdelle
75015 Paris

Exposition « Expérience Raphaël »
18 octobre 2024 – 17 février 2025
Palais des Beaux-Arts de Lille

Le Palais des Beaux-Arts conserve une exceptionnelle collection de dessins de Raphaël (1483-1520), révélée pour la première fois au public dans son intégralité dans l’exposition. La présentation de ces 40 dessins, pour certains recto-verso, est complétée par des prêts prestigieux du Musée du Louvre, de la Royal Collection Trust, de la National Gallery (Londres) et du Musée Thyssen-Bornemisza (Madrid).

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Juliette Singer, directrice du Palais des Beaux-Arts et du Musée de l’Hospice Comtesse de Lille.

Le Palais des Beaux-Arts de Lille doit à un legs effectué par le chevalier Jean-Baptiste Wicar (1762-1834) de posséder l’un des fonds de dessins de Raphaël parmi les plus importants de France.

Le parcours de l’exposition est construit selon un parcours de Pérouse à Rome, en passant par Florence. Les dessins, dont la plupart sont présentés recto-verso, sont accompagnés de tableaux dont ils constituaient, pour certains, des étapes préparatoires. Réalisés à la pointe de plomb, à la pierre noire, ou encore à la sanguine, avec parfois des rehauts de blanc, ils permettent ainsi de suivre le processus de création de Raphaël.

Le fonds Raphaël du Palais des Beaux-Arts de Lille a fait l’objet d’une restauration et d’un reconditionnement pour le projet. Certains dessins ont bénéficié d’analyses scientifiques par le département Recherche du C2RMF – Centre de recherche et de restauration des musées de France – ce qui a permis de mieux en appréhender la matière et de révéler certains secrets de création du maître, jusque-là inédits.

Pour plonger dans l’art de Raphaël, l’exposition inclut des dispositifs numériques permettant de mieux comprendre les dessins.

Commissariat de l’exposition

Commissaire générale
Juliette Singer, Conservatrice en chef, directrice du Palais des Beaux-Arts de Lille et du musée de l’Hospice Comtesse

Commissaires scientifiques
Cordélia Hattori, chargée du Cabinet des dessins, Palais des Beaux-Arts de Lille
Régis Cotentin, responsable de l’art contemporain, Palais des Beaux-Arts de Lille

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du Palais des Beaux-Arts de Lille.

Exposition « Expérience Raphaël »
18 octobre 2024 – 17 février 2025
Palais des Beaux-Arts de Lille
Place de la République
59000 Lille