Exposition « Jean-Baptiste Greuze. L’enfance en lumière »
16 septembre 2025 – 25 janvier 2026
Petit Palais – Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris

Artiste aujourd’hui méconnu et mécompris, Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) est l’une des figures les plus importantes et les plus audacieuses du XVIIIe siècle français. À l’occasion du 300e anniversaire de sa naissance, le Petit Palais propose de redécouvrir son œuvre au prisme du thème de l’enfance. En effet, faisant écho aux préoccupations des philosophes Diderot, Rousseau ou Condorcet, l’artiste invite à méditer la place de l’enfant au sein de la famille, la responsabilité des parents dans son développement et l’importance de l’éducation pour la construction de sa personnalité.

Pour découvrir l’exposition, suivez Annick Lemoine, conservatrice générale du patrimoine, directrice du Petit Palais, et Mickaël Szanto, maître de conférences, Sorbonne Université.

Rarement peintre n’a autant représenté les enfants que Greuze, sous forme de portraits, de têtes d’expression ou dans ses scènes de genre. Tel un fil rouge, ils sont partout présents dans son œuvre, tantôt endormis dans les bras d’une mère, tantôt envahis par une rêverie mélancolique, tantôt saisis par la frayeur d’un évènement qui les dépasse.

La centralité du thème de l’enfance dans la peinture de Greuze se fait le miroir des grands enjeux du XVIIIe siècle. Le nouveau statut de l’enfance – désormais considéré comme un âge à part entière –, les débats sur le lait maternel et le recours aux nourrices, la place de l’enfant au sein de la famille ou encore l’importance de l’éducation pour la construction de sa personnalité et la responsabilité des parents dans son développement sont les préoccupations des pédagogues et des philosophes, tels que Rousseau, Condorcet ou Diderot. Nourri des idéaux des Lumières, Greuze s’en fait, par le pinceau et le crayon, le témoin, l’interprète, voire même l’ardent défenseur.

Tout au long de sa carrière, l’artiste interroge l’intimité de la famille, avec empathie, parfois avec humour, souvent avec esprit critique. Il se plaît à mettre en image les temps symboliques ou les rituels qui scandent la vie familiale – ainsi « La Remise de la dot au fiancé » (Petit Palais), « Le Gâteau des rois » (musée Fabre, Montpellier) ou « La lecture de la Bible » (musée du Louvre, Paris). Mais l’espace domestique n’est pas seulement un havre de paix. Il est aussi et souvent chez Greuze le théâtre du désordre des familles, le lieu de la violence physique et psychologique.

Greuze interroge le basculement dans l’âge adulte, la perte de l’innocence, l’éveil à l’amour, sans rien maquiller des appétits que peut susciter la beauté de la chair auprès de vieillards lubriques ou de jeunes prédateurs. Face à ce monde des adultes, souvent cruel, petit et mesquin, il y a chez Greuze comme la volonté de retourner dans le giron de l’enfance, temps de la pureté et de la candeur : fragile, mystérieux et éphémère, telle cette fleur de pissenlit sur laquelle le Jeune berger du Petit Palais s’apprête à souffler pour savoir s’il est aimé. Pour accompagner les visiteurs dans la lecture des œuvres de Greuze, des cartels « Œil aiguisé » invitent à interroger les détails et à décrypter les sens cachés et les allégories des œuvres présentées.

Commissariat scientifique

Annick Lemoine, conservatrice générale du patrimoine, directrice du Petit Palais
Yuriko Jackall, directrice du département de l’art Européen & Conservatrice “Allan et Elizabeth Shelden” en charge des peintures européennes, Detroit Institute of Arts
Mickaël Szanto, maître de conférences, Sorbonne Université

Exposition « Jean-Baptiste Greuze. L’enfance en lumière »
16 septembre 2025 – 25 janvier 2026
Petit Palais – Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris
Avenue Winston Churchill
75008 Paris

L’exposition est réalisée avec le soutien exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France.

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du Petit Palais.

Exposition « Les Chardin des Marcille. Une passion orléanaise »
9 septembre 2025 – 11 janvier 2026
Musée des Beaux-Arts d’Orléans

Rarement un tableau n’a autant attisé les passions que « Le Panier de fraises des bois » (1761) de Jean Siméon Chardin, chef-d’œuvre de la peinture française, acquis par le musée du Louvre en 2022 après être resté depuis le milieu du XIXe siècle dans la collection de l’Orléanais Eudoxe Marcille (1814-1890).

Pour cette visite privée, suivez Olivia Voisin, directrice du musée des Beaux-Arts d’Orléans, conservatrice en chef du patrimoine.

« Ô Chardin ! ce n’est pas du blanc, du rouge, du noir que tu broies sur ta palette : c’est la substance même des objets, c’est l’air et la lumière que tu prends à la pointe de ton pinceau et que tu attaches sur la toile. » – Diderot (1763)

« François Marcille ramassa par centaines ces perles de la peinture française jetées sur le pavé. Sa maison s’ouvrit comme un lieu d’asile à tous ces charmants proscrits de l’art ennuyeux. Non content de les recueillir, il les fit connaître et comprendre par son admiration persuasive et par l’accueil empressé qu’il offrait à tous les curieux. Entrait chez lui qui voulait : sa collection était aussi hospitalière que les galeries des princes de Rome et de Gênes. » – Paul de Saint-Victor (1876)

Son nom à lui seul évoque celui de Chardin. Son père, François Marcille (1790-1856), issu d’une famille de courtiers en graines de la Beauce, s’était intéressé en visionnaire, dès 1822, à tous ces artistes du temps de Louis XV que plus personne ne regardait, jusqu’à réunir la plus grande collection de son temps, riche de 4500 œuvres où se trouvaient par dizaines les Boucher, Fragonard, Greuze, Prud’hon et Géricault… et, au-dessus des autres, trente Chardin.

Cette passion dévorante a été transmise avec sa collection à ses deux fils, Eudoxe et Camille. Camille, devenu conservateur du musée de Chartres, et Eudoxe, directeur du musée d’Orléans de 1870 et 1890, ont continué de promouvoir l’œuvre de Chardin, rachetant même à la vente de leur père, au-delà des œuvres qu’il avait désignées pour chacun, ce qui pouvait continuer d’être réuni de ce noyau idéal.

Très naturellement, les frères Goncourt, grands biographes des artistes du XVIIIe siècle, puiseront dans cette collection de référence, où est représenté l’ensemble de la carrière de Chardin, pour écrire en 1863 la première biographie du peintre des natures mortes silencieuses et des garde-manger.

Chardin était chez lui à Orléans et, d’une certaine façon, l’était depuis toujours. Son amitié avec Aignan Thomas Desfriches (1715-1800), l’entrepreneur qui avait fait d’Orléans au XVIIIe siècle une capitale artistique, se lisait jusque dans le foulard à carreaux que Chardin porte dans son autoportrait, provenant de chez Desfriches. Desfriches possédait lui-même de nombreux tableaux de Chardin.

Autour du prêt exceptionnel du « Panier de fraises des bois », cinq autres Chardin provenant de la mythique collection des Marcille sont réunis pour la première fois depuis la rétrospective de 1979. Ils sont accompagnés de l’ « Autoportrait aux bésicles », acquisition événement qui a permis en 1991 de faire entrer dans le cabinet des pastels cet artiste cher au cœur d’Orléans, mais dont seul le souvenir habitait les collections.

Exposition « Les Chardin des Marcille. Une passion orléanaise »
9 septembre 2025 – 11 janvier 2026
Musée des Beaux-Arts
1 Rue Fernand Rabier
45000 Orléans

L’exposition bénéficie des prêts exceptionnels du Musée du Louvre, du Musée Jacquemart-André, du Musée de Picardie, de collectionneurs privés et des descendants Famille Marcille.

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée.

Exposition « John Singer Sargent. Éblouir Paris »
23 septembre 25 – 11 janvier 2026
Musée d’Orsay (Paris)

John Singer Sargent (1856-1925) est l’un des artistes américains les plus célèbres de sa génération, aussi bien aux États-Unis qu’au Royaume-Uni. Son portrait de « Madame X » est considéré comme la « Joconde » de la collection d’art américain du Metropolitan Museum of Art de New York. En France, son nom reste très largement méconnu.
Réunissant plus de 90 œuvres de Sargent, dont certaines n’ont jamais été présentées en France, l’exposition du musée d’Orsay permet de faire découvrir son oeuvre à un large public.

Pour cette visite privée exceptionnelle, vous êtes accompagnés par Caroline Corbeau-Parsons, conservatrice arts graphiques et peintures au musée d’Orsay.

Arrivé à Paris en 1874 à l’âge de dix-huit ans, John Singer Sargent y séjourne jusqu’au milieu des années 1880, lorsqu’à trente ans il s’installe à Londres, après le scandale qu’a provoqué son célèbre portrait de Madame Gautreau (« Madame X »).
Pendant cette décennie, il réalise parmi ses plus grands chefs-d’œuvre et se distingue par son inventivité et son audace.

À Paris, le jeune peintre américain trouve des soutiens auprès d’autres expatriés mais s’intègre aussi à la société française en forgeant des liens avec un cercle d’artistes, d’écrivains et de collectionneurs.

Les femmes jouent un rôle particulier dans l’ascension de John Singer Sargent. Les nombreuses effigies que Sargent a laissées de ces personnalités brossent le portrait d’une société en pleine mutation, cosmopolite, où l’ancienne aristocratie européenne côtoie les jeunes fortunes du Nouveau Monde.

Constamment en quête de nouvelles inspirations, Sargent dépeint peu la « vie parisienne », mais profite de son ancrage dans la capitale pour effectuer de nombreux voyages en Europe et en Afrique du Nord, dont il ramène de nombreux tableaux qui allient « exotisme » à la mode mais aussi un sens du mystère et de la sensualité propre à l’artiste.

C’est dans le domaine du portrait que Sargent s’impose bientôt comme l’artiste le plus talentueux de son temps, surpassant ses maîtres et égalant les grands artistes du passé. Sa formidable habileté technique et l’assurance provocante de ses modèles fascinent le public et les critiques.

En 1884, le portrait en « femme fatale » de l’américaine Virginie Gautreau, figure importante de la vie mondaine parisienne et « professional beauty », suscite des réactions majoritairement hostiles au Salon, attaquant notamment la moralité du modèle. Une section particulière de l’exposition est dédiée à ce moment crucial de la carrière de Sargent et à ce véritable chef-d’œuvre que l’artiste considèrera à la fin de sa vie comme « la meilleure chose qu’il ait jamais faite ».

Commissariat de l’exposition

Caroline Corbeau-Parsons, Conservatrice arts graphiques et peintures, musée d’Orsay
Paul Perrin, Directeur des collections et de la conservation, musée d’Orsay
En collaboration avec Stephanie Herdrich, Alice Pratt Brown Curator of American Paintings and Drawings, Metropolitan Museum of Art

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée d’Orsay.

L’exposition a été présentée sous le titre « Sargent & Paris » au Metropolitan Museum of Art à New York du 27 avril au 3 août 2025.

Exposition « John Singer Sargent. Éblouir Paris »
23 septembre 25 – 11 janvier 2026
Musée d’Orsay
Esplanade Valéry Giscard d’Estaing
75007 Paris

Exposition « Etre sculptrice à Paris au temps de Camille Claudel »
13 septembre 2025 – 4 janvier 2026
Musée Camille Claudel (Nogent-sur-Seine)

Elles étaient sculptrices à Paris tout comme Camille Claudel. Elles ont réussi – pour certaines d’entre elles – à tracer leur chemin dans un univers artistique et une société essentiellement masculins.
L’exposition réunit les créations de plusieurs artistes de tout premier plan : Marie Cazin, Madeleine Jouvray, Jessie Lipscomb, Agnès de Frumerie, Jane Poupelet et bien d’autres. Françaises ou étrangères, souvent filles ou épouses d’artistes, elles ont été les camarades d’atelier, les amies, ou parfois les rivales de Camille Claudel. Certaines l’ont précédée, d’autres lui ont succédé.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Pauline Fleury, adjointe de la conservatrice et co-commissaire de l’exposition du musée Camille Claudel.

Les stéréotypes liés à la prétendue faiblesse féminine et l’image virile associée à la sculpture ont longtemps été considérés incompatibles. L’exclusion des femmes de l’enseignement artistique, notamment à l’École nationale des Beaux-Arts, ainsi que les contraintes économiques de la sculpture traditionnelle (coût du bronze ou du marbre, recours à des ouvriers) constituaient autant d’obstacles à leur entrée dans cette discipline.

La première section de l’exposition s’attache à celles qui, malgré tout, parviennent à poursuivre leur vocation et à s’imposer sur la scène parisienne, selon des parcours et des stratégies variés. Leurs œuvres sont reçues au Salon et saluées par la critique.

Marie Cazin (1844-1924), Charlotte Besnard (1854-1931) ou encore Jeanne Itasse (1855-1941) ont ainsi évolué à l’abri de la renommée d’un époux ou d’un père artiste. D’autres, comme Laure Coutan-Montorgueil (1855-1915), issue d’une famille d’artisans, et Marguerite Syamour (1857-1945), élevée dans un milieu intellectuel progressiste, ont connu les difficultés liées à la pratique de la sculpture sans subir d’opposition de leur entourage.

Un cas particulièrement remarquable est celui de Blanche Moria (1859-1926), qui, bien que née dans une famille de commerçants, est reconnue comme « artiste-statuaire » à son décès. Toutes appartiennent à cette génération de « travailleuses obscures », selon les mots de la peintre Louise Catherine Breslau (1856-1927), qui acceptent « les privations les plus dures pour pouvoir vivre leur rêve d’art ».

La deuxième partie de l’exposition s’ouvre sur une période de compagnonnage artistique entre Camille Claudel et ses contemporaines.

En septembre 1880, Claudel s’installe à Paris avec sa famille, d’abord au 135 boulevard du Montparnasse, puis, en 1881, au 111 rue Notre-Dame-des-Champs. Tout près de leur appartement, au 10 rue de la Grande Chaumière, se trouve l’Académie Colarossi, une alternative moderne à l’enseignement traditionnel de l’École nationale des Beaux-Arts. À la fois école privée et atelier libre, l’Académie est réputée pour son enseignement mixte et ses cours de sculpture d’après modèle.

Claudel y étudie aux côtés d’autres jeunes artistes femmes, françaises et étrangères : Madeleine Jouvray (1862-1935), Jessie Lipscomb (1861-1952), Sigrid af Forselles (1860-1935) ou encore Carolina Benedicks-Bruce (1856-1935).

La troisième séquence de l’exposition aborde les relations des femmes sculpteurs avec Auguste Rodin, entre transmission, influence et désir d’émancipation.

À l’automne 1882, lorsque Rodin remplace Alfred Boucher, parti pour Florence, afin de superviser l’atelier de Claudel rue Notre-Dame-des-Champs, il découvre un groupe de jeunes femmes déterminées à se faire reconnaître comme professionnelles et rivalisant pour attirer son attention. Grâce à la commande de « La Porte de l’Enfer », Rodin a installé deux ans plus tôt un grand atelier au Dépôt des marbres, qu’il organise comme une entreprise collaborative. Autour de 1884, Claudel rejoint cet atelier comme élève.

Après leur rupture en 1893, Camille Claudel cherche à tout prix à se libérer de l’influence du maître. Dans une lettre à son frère, elle déclare, triomphante : « Tu vois que ce n’est plus du tout du Rodin. » L’atelier devient un espace isolé où Claudel s’inspire uniquement de ses expériences personnelles.

Commissariat de l’exposition

Anne Rivière, historienne de l’art
Pauline Fleury, adjointe à la conservatrice du musée Camille Claudel

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Consultez le site Internet du musée Camille Claudel.

Exposition « Etre sculptrice à Paris au temps de Camille Claudel »
13 septembre 2025 – 4 janvier 2026
Musée Camille Claudel
10 Rue Gustave Flaubert
10400 Nogent-sur-Seine

Prochaines étapes de l’exposition :
– du 31 janvier au 1er juin 2026 au musée des Beaux-Arts de Tours
– du 27 juin au 8 novembre 2026 au musée de Pont-Aven

Exposition Georges de La Tour
11 septembre 2025 – 25 janvier 2026
Musée Jacquemart-André (Paris)

Le musée Jacquemart-André propose la première rétrospective consacrée à Georges de La Tour en France depuis l’exposition du Grand Palais en 1997. Par l’épure formelle de ses compositions et leur intensité spirituelle, Georges de La Tour a su créer un langage pictural d’une grande puissance émotionnelle qui parle encore aux spectateurs du XXIe siècle.
Bien que seulement une quarantaine d’œuvres authentiques du peintre soient connues aujourd’hui, de nombreuses copies attestent de la célébrité de ses tableaux et de l’importance de son atelier.

Suivez Pierre Curie, conservateur général du patrimoine au musée Jacquemart-André, spécialiste de peinture italienne et espagnole du XVIIe siècle.

Né à Vic-sur-Seille, dans le duché indépendant de Lorraine, Georges de La Tour mena une brillante carrière, travaillant pour de prestigieux mécènes et collectionneurs, comme les ducs de Lorraine, le cardinal Richelieu et en tant que peintre ordinaire du roi Louis XIII.

Dans le contexte violent de la guerre de Trente Ans, sa maison et son atelier à Lunéville furent détruits en 1638, et Georges de La Tour choisit de se rapprocher de Paris et du pouvoir. Il offrit notamment au roi Louis XIII un tableau nocturne représentant Saint Sébastien (aujourd’hui perdu), que le souverain aurait tant apprécié qu’il fit retirer tous les autres tableaux de sa chambre pour ne conserver que celui-ci.

Rassemblant une trentaine de toiles et d’œuvres graphiques prêtées par des collections publiques et privées françaises et étrangères, l’exposition adopte une approche thématique destinée à cerner l’originalité de Georges de La Tour. Le parcours explore ses sujets de prédilection — scènes de genre, figures de saints pénitents, effets de lumière artificielle — tout en replaçant sa vie et son œuvre dans le contexte plus large du caravagisme européen.

Malgré la gloire et le succès connus de son vivant, Georges de La Tour tomba dans l’oubli après son décès en 1652. Il faut attendre les années 1910 et l’entre-deux-guerres pour que son œuvre soit redécouverte par les historiens de l’art, lui permettant près de trois siècles après sa mort de retrouver la place qui lui revient parmi les plus grands peintres français du XVIIe siècle.

Commissariat de l’exposition

Dr. Gail Feigenbaum est spécialiste de l’art italien et français du début de l’époque moderne
Pierre Curie, conservateur général du patrimoine, spécialiste de peinture italienne et espagnole du XVIIe siècle

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet du musée Jacquemart-André.

Exposition Georges de La Tour
11 septembre 2025 – 25 janvier 2026
Musée Jacquemart-André
158 Bd Haussmann
75008 Paris

Exposition « Albert Maignan, un virtuose à la Belle Époque »
28 juin 2025 – 4 janvier 2026
Musée de Picardie (Amiens)

Le musée de Picardie propose une grande rétrospective consacrée à Albert Maignan, peintre prolifique du Paris 1900, entre décors monumentaux, peinture d’histoire et œuvres intimes issues de son fonds d’atelier légué au musée.
395 œuvres sont présentées dont 270 sorties de réserve, 66 restaurées pour l’occasion et 75 dessins.

Pour cette visite privée, vous êtes accompagnés par Pierre Stépanoff, directeur des musées d’Amiens et de la Maison Jules Verne.

Parallèlement à ses études de droit, le jeune Maignan fréquente à Paris l’atelier des paysagistes Jules Noël et Eugène Isabey de 1865 à 1869, puis l’atelier d’Évariste Luminais à partir de cette dernière date. Cette formation alternative à l’école des Beaux-Arts révèle les hésitations initiales de sa voie artistique.

C’est dans le domaine de la peinture d’histoire que Maignan rencontre ses premiers succès lors du Salon de 1874. Les années suivantes voient l’exécution d’une succession de tableaux de grands formats, aux sujets historiques, religieux ou littéraires. Passionné d’archéologie, le peintre montre un intérêt tout particulier pour l’étude des objets et des costumes qui se veulent les plus fidèles aux découvertes les plus récentes.

À la suite du meurtrier incendie du Bazar de la Charité (1897), Albert Maignan est sollicité pour réaliser le décor de l’église édifiée sur le site du drame. Pour cette commande singulière, le peintre choisit de représenter la Vierge conduisant dans le ciel les âmes des femmes décédées lors de l’incendie. Il donne également des cartons pour les vitraux de cette église.

L’art de Maignan se nourrit d’une étude attentive et continue des beautés de la nature. Deux lieux ont particulièrement été favorables à ses recherches : le jardin de sa propriété de Saint-Prix, près de Paris, et l’aquarium de Naples qu’il découvre lors d’un séjour en Italie en 1890.

Commissariat de l’exposition

Commissaire scientifique
Véronique Alemany, conservatrice générale honoraire du patrimoine.
Commissaire général
Pierre Stépanoff, conservateur du patrimoine, directeur des musées d’Amiens.

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Consultez le site Internet du musée de Picardie.

Exposition « Albert Maignan, un virtuose à la Belle Époque »
28 juin 2025 – 4 janvier 2026
Musée de Picardie
2 Rue Puvis de Chavannes
80000 Amiens

L’exposition sera présentée en seconde étape au Musée de Tessé (Le Mans) du 11 avril au 27 septembre 2026.

Ce reportage sera disponible à partir du samedi 6 septembre à 19h sur cette page.

Exposition « Le mystère Cléopâtre »
11 juin 2025 – 11 janvier 2026
Institut du monde arabe (Paris)

Des grandes figures féminines que compte l’histoire, Cléopâtre, la dernière souveraine d’Égypte, est la plus populaire. Autour de son personnage se sont forgées une légende noire puis une figure universelle, associant passion et mort, volupté et cruauté, richesse et guerre, politique et féminisme.
Malgré sa popularité, la rareté et la contradiction des sources historiques font de Cléopâtre une véritable énigme.

Explorez le « mystère Cléopâtre » en compagnie de Claude Mollard, commissaire général de l’exposition.

Née en 69 av. J.-C. à Alexandrie, Cléopâtre VII est la dernière souveraine des Ptolémées. Héritant d’un royaume sous influence romaine, elle s’impose en fine diplomate pour préserver son pouvoir. Alliée de Jules César puis de Marc Antoine, elle élimine ses rivaux et associe son fils Césarion au trône. Défaite par Octave à Actium, elle se suicide en 30 av. J.-C., scellant la fin de la dynastie pharaonique. La mort de Cléopâtre ne ferme toutefois pas le livre de son histoire, elle amorce le début d’une légende.

« Sa voix avait une extrême douceur ; et sa langue, qu’elle maniait avec une grande facilité, telle qu’un instrument à plusieurs cordes, prononçait également bien plusieurs idiomes différents ; en sorte qu’il était peu de nations à qui elle parlât par interprète. Elle répondait dans leur propre langue aux Éthiopiens, aux Troglodytes, aux Hébreux, aux Arabes, aux Syriens, aux Mèdes et aux Parthyens. Elle savait encore plusieurs autres langues, tandis que les rois d’Égypte, ses prédécesseurs, n’avaient pu apprendre qu’à grand’peine l’égyptien, et que quelques-uns d’entre eux avaient même oublié le macédonien, leur langue maternelle. » – Plutarque dans « Vie des hommes illustres »

Alors que les Égyptiens et les Grecs vénèrent Cléopâtre comme une déesse, la propagande romaine la présente comme une « reine prostituée ». Au Moyen Âge, des écrivains arabes la décrivent en figure maternelle, protectrice de son peuple, érudite et savante. Dès le XVIe siècle, l’Occident la réinvente sans cesse en littérature et en art.

« Le nez de Cléopâtre : s’il eût été plus court, toute la face de la terre aurait changé. » – Pascal dans « Pensées »

Ce sont les grandes comédiennes, de Sarah Bernhardt à Liz Taylor, qui vulgarisent le destin de Cléopâtre à l’ère médiatique, désormais femme seule en haut de l’affiche mais toujours incarnation fantasmatique d’un ailleurs orientalisant.

Avec la prolifération des images et la culture de masse, Cléopâtre devient un objet de consommation : reine de beauté, égérie de mode, marque de publicité. Sa figure moderne s’invite partout, mais le mythe finit par éclipser la réalité historique de la cheffe d’État. C’est pourquoi certaines voix s’élèvent pour retrouver la vérité enfouie sous le mythe.
Parallèlement à son image populaire et glamour, apparaît une identité de Cléopâtre, cheffe d’État et reine érudite.

Son refus de se soumettre, dans un monde dominé par les hommes, préférant mourir plutôt que se rendre, fait d’elle une icône des luttes identitaires et émancipatrices.
En Égypte, elle symbolise la résistance au colonialisme britannique (1882-1956), tandis qu’aux États-Unis, elle est une fierté pour la communauté africaine-américaine, notamment dans la lutte anti-esclavagiste lors de la guerre de Sécession (1861-1865). Les mouvements féministes réhabilitent son rôle de femme de pouvoir, dénonçant son invisibilisation façonnée par le « male gaze » (regard masculin), faisant d’elle un symbole intemporel.

Commissariat de l’exposition

Commissariat général de l’exposition :
– Claude Mollard, conseiller spécial du président de l’Institut du monde arabe
Commissaires scientifiques :
– Christiane Ziegler, égyptologue, directrice honoraire du département des antiquités égyptiennes du musée du Louvre
– Christian-Georges Schwentzel, professeur des Universités en Histoire ancienne, directeur du Département d’Histoire, Université de Lorraine
Commissaires associées :
– Nathalie Bondil, directrice du musée et des expositions à l’Institut du monde arabe
– Iman Moinzadeh, chargée de collections et d’expositions à l’Institut du monde arabe

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Consultez la page dédiée à l’exposition sur le site Internet de l’Institut du monde arabe.

Exposition « Le mystère Cléopâtre »
11 juin 2025 – 11 janvier 2026
Institut du monde arabe
1, rue des Fossés Saint-Bernard
Place Mohammed V
75005 Paris

Exposition « Fêtes et célébrations flamandes. Brueghel, Rubens, Jordanes… »
26 avril – 1er septembre 2025
Palais des Beaux-Arts de Lille

Aux XVIe et XVIIe siècles, les habitants des Pays-Bas sont touchés régulièrement par des épidémies et subissent les outrages de la Guerre de Quatre-Vingts Ans. La fête constitue alors un moment crucial pour relâcher les tensions et renforcer le tissu social.
Le parcours de l’exposition rassemble plus d’une centaine d’œuvres : peintures, gravures, dessins, instrument de musique et céramiques provenant d’institutions françaises et internationales, parmi lesquelles les musées royaux des Beaux-Arts de Belgique et le musée du Louvre.

Suivez Juliette Singer, directrice du Palais des Beaux-Arts et du musée de l’Hospice Comtesse.

Guerre et fête

Durant la période 1550-1650, l’Europe est en guerre perpétuelle, entre discordes religieuses et rivalités politiques. La fête est une réponse à cette situation. Fête exutoire donc, mais tout autant fête régulatrice : l’art qui se déploie à l’occasion des fêtes illustre la construction d’un espace de paix. La fête cherche à faire société.

Fêtes et cérémonies urbaines

Trois types de fêtes et de cérémonies urbaines ont lieu dans les Pays-Bas méridionaux : les Joyeuses Entrées et réceptions princières; les fêtes religieuses ; l’ommegang et le concours de tir à l’oiseau des corporations dites militaires. Tous ces événements témoignent d’une perméabilité entre sacré et profane, et d’un mélange des genres, du solennel au pur divertissement.

Kermesses, noces et fêtes villageoises

Dans ces tableaux, les puissants se mêlent aux villageois au cours de la fête. Une oeuvre peinte par Jan Brueghel l’Ancien pour la cour d’Espagne montre les noces paysannes en présence des archiducs Albert et Isabelle.

Fêtes de cour, fêtes des rois

Après les fêtes se déroulant à l’extérieur, voici celles se passant en intérieur. L’accent est mis sur la fête du roi célébrant l’épiphanie qui mime (de façon parodique) un banquet de cour, avec l’une des versions du « Roi boit » de Jacques Jordaens, une des peintures les plus connues et les plus impressionnantes de l’art flamand du XVIIe siècle.

Commissariat de l’exposition

Commissariat général
– Juliette Singer, directrice du Palais des Beaux-Arts et du musée de l’Hospice Comtesse, conservatrice en chef.
Commissaires scientifiques
– Sabine van Sprang, conservatrice de la peinture flamande 1550-1650 aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique
– Blaise Ducos, conservateur en chef, responsable des peintures flamandes et hollandaises au Musée du Louvre

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Consultez le site Internet du Palais des Beaux-Arts.

Exposition « Fêtes et célébrations flamandes. Brueghel, Rubens, Jordanes… »
26 avril – 1er septembre 2025
Palais des Beaux-Arts de Lille
Place de la République
59000 Lille